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Pas facile d’être original quand on œuvre dans les sports extrêmes. On peut classiquement se laisser tenter par le « toujours plus » (plus vite, plus haut, etc.). Si l’on fait preuve d’un brin d’imagination, on peut aussi inventer une nouvelle discipline, généralement un mélange de sports existants mais pourquoi pas, il reste toujours des combinaisons inédites à essayer.
Le snowkite est donc un mix de snowboard et de kitesurf. Et c’est dangereux, comme le démontre ci-dessous le rider algérien Malik Bouchenafa.

Ceci dit, nul besoin de provoquer vents et montagnes pour faire l’intéressant (et risquer sa vie bêtement). Parmi les « toujours plus », le « toujours plus con » fonctionne pas mal, en témoignent ces adeptes du freestyle sur toboggan.

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Apocalypse Snow est de retour ! La merveilleuse trilogie de Didier Lafond se voit étoffée, 20 ans plus tard, d’un quatrième opus à paraître en DVD le 8 décembre prochain. Mais Apocalypse Snow, c’est quoi ?

Régis Rolland est moniteur de ski aux Arcs 2000. Il voit débarquer sur les pistes en 1982 la team Winterstick, du nom de la marque US qui commercialisa les premiers snowboards, invitée par le promoteur de la station Alain Gaymard. La team forme quelques monos, mais seul Régis, curieux, achète une ces planches sans fixation (simplement des footstraps de planche à voile) et munies de deux petites dérives, qu’il mettra tout l’hiver à apprivoiser. Gaymard, qui souhaitait faire un film promotionnel pour les Arcs, est sur un télésiège quand il voit Régis descendre… Eureka, le snowboard permettra de donner l’image d’une station moderne, véritable paradis de la glisse. Ski Espace est réalisé par Didier Lafond en 1983, et donnera naissance l’année suivante à Apocalypse Snow, un film très fun mettant en scène le gentil Régis, détenteur de l’esprit de la glisse, et ses méchants assaillants, moniteurs de monoski des Arcs. Le succès est au rendez-vous, et l’équipée sauvage tourne Apocalypse Snow 2 en 1985 puis Apocalypse Snow 3 en 1988.
Devenue culte pour tout rider qui se respecte, la trilogie s’enrichit donc d’un quatrième volet réunissant la plupart des meilleurs riders français actuels, en ski, snowboard, speedriding, parapente, wingsuit, mais aussi Terje Haakonsen, Steve Graham, Luc Alphand, Bertrand Denervaud, Axel Pauporte, David Vincent, Serge Vitelli et même le célèbre chef annecien Marc Veyrat, dans le rôle du druide…

Bande-annonce

Pour mémoire, quelques images d’Apocalypse Snow

Découvrez dans la suite le making-of d’Apocalypse Snow Returns et le film Apocalypse Snow 3 en intégralité :)

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1962 : Chet est de retour ! Après avoir passé quelques années en prison en Italie pour prise et possession de stupéfiants (héroïnes et autres substituts), il enregistre avec un sextet de musiciens européens Chet is Back. A cet époque, Chet a la trentaine, Chet a vécu, s’est beaucoup drogué, gère mal sa notoriété et s’est un peu perdu. Il est loin le Chet des débuts, plein de fraîcheur et d’envolées. En 1962, les gens doutent et craignent, une fois de plus, que la drogue ait définitivement raison du trompettiste. Le premier pressage de Chet is Back ne comporte que les huit premières pistes, faisant de cet album un bon disque de reprises, un album de jazz cool et intéressant, mais rien de transcendant dans la discographie de Baker. Ce n’est que récemment qu’est ressortie une seconde édition avec quatre pistes supplémentaires lui donnant un peu plus d’éclat. En sus de l’enregistrement de quelques standards, les producteurs italiens avaient senti un filon en Chet, et s’étaient dit que lui faire sortir un album de chansons en italien serait une aubaine. Heureusement de cette indélicate attention n’est pas sorti un album mais quatre chansons composées en prison par Chet. Il apprend l’Italien en écoutant ses codétenus et profite de la beauté de la langue, et de sa voix brumeuse, pour parler à Chetty, son fils, et à Halema, son ex-femme : Un doux écho en moi / Répète quelques notes que je ne connais pas / Il joue cette musique dans mon cœur / Mais ensuite personne ne la chante »…

True Blood est la nouvelle série d’Alan Ball (scénariste d’American Beauty et créateur de Six Feet Under), adaptée des Southern Vampire Mysteries (neuvième opus à paraître en 2009) de l’auteur américaine à succès Charlaine Harris.
Le pitch : Sookie Stackhouse (Anna Paquin, oscarisée à onze ans pour son rôle dans la Leçon de Piano) est une jeune serveuse qui lit dans les pensées. Épatant mais pas tant que ça, puisque dans la ville imaginaire de Bon Temps, en Louisiane, les humains côtoient vampires, loups-garous (voire tigre-garous) et autres shapeshifters.
Question promo, HBO avait mis le paquet, misant notamment sur le web : mailing mystérieux aux blogueurs confluents, ouverture à la Lost de nombreux sites (la Ligue des Vampires Américains, la Compagnie du Soleil – les anti –, le Meetic pour vampires, et le site de la boisson True Blood évidemment), vidéo virale d’un vampire effectuant un test comparatif du True Blood et du sang humain… Toutes ces réjouissances étant centralisées sur un blog qui continue de chroniquer la vie à Bon Temps, proposant des images inédites (interviews de personnages par le reporter maison, en lien avec les évènements survenant dans la série). Ajoutez la distribution d’un comic prequel au Comic-Con de San Diego, et de DVD du pilote au festival international du film de Toronto, et les conditions d’un joli démarrage étaient réunies.
Simplement pour le plaisir de démentir la conclusion du paragraphe précédent, le series premiere n’attira pas les foules, mais les audiences ont augmenté de semaine en semaine, hissant True Blood sur le podium des séries d’HBO les plus regardées, derrière les Sopranos et Sex and the City. Pas suffisant cependant pour en faire le blockbuster – sur le câble – de la saison, et sans réussir à emballer la critique, partagée.
La série, fidèle aux bouquins, est à la fois une histoire de créatures nocturnes, avec les codes du genre, dont elle s’affranchit en partie mais qui s’imposent immanquablement, et une chronique du South, paradis des moustiques et des sales types, auxquelles s’ajoute une intrigue policière censée pimenter le tout. De la même façon, la série Invasion, qui n’aura duré qu’une saison (une deuxième est déjà signée pour True Blood), avait choisi de faire atterrir d’affreux extra-terrestres dans les marécages de la région. Dans les deux cas, la réussite d’une des composantes se fait toujours aux dépens des deux autres. Tantôt se laisse-t-on séduire par l’ambiance moite et les histoires de vaudous, tantôt apprécie-t-on de revoir Zeljko Ivanek (Damages) en flippant chef des vampires, tantôt sommes-nous de complaisants témoins de la descente aux enfers de Jason, frère imbécile de l’héroïne… Mais la qualité est très inégale, et dans l’ensemble, on s’ennuie pas mal.
Reste un petit plaisir hebdomadaire : le générique, chanté par Jace Everett, qui magnifie le South et ses plaisirs, et qui à lui seul m’aura fait tenir les douze épisodes de la saison.

Il est réalisé par Digital Kitchen, qui ne sont pas des novices, puisqu’ils ont également saigné signé les génériques de Six Feet Under, Nip/Tuck, House M.D. et Dexter. Celui de True Blood, complètement South donc, n’est pas sans rappeler les premières images du documentaire d’Andrew Douglas Searching for the Wrong-Eyed Jesus, road trip avec le songwriter de country alternative Jim White.
Pour le plaisir, la version longue du générique de True Blood…

Hunger pourrait être un biopic. Hunger pourrait être un biopic puisqu’il raconte l’histoire de Bobby Sands, prisonnier membre de l’IRA qui entama une grève de la faim en 1981 pour obtenir le statut de prisonnier politique. Hunger pourrait être qualifié sans rougir de biopic, si dans les cinq dernières années précédant sa sortie, le terme n’avait pas été employé pour parler de films niais et sans fond, à la gloire d’un artiste ou d’un gangster à la mode. Hunger est le premier film de Steve McQueen. Après avoir étudié a Londres les arts plastiques, il intègre puis quitte la prestigieuse Tish de New York car, dit-il, « ils ne vous laissaient pas lancer la caméra en l’air ». Plus souvent vu dans les galeries d’art contemporain à travers le monde, le réalisateur anglais réussit sans aucun doute son passage au cinéma. Hunger est un modèle de maîtrise en tous points. Je serais tenté de dire que c’est surprenant pour un premier long-métrage, mais à ce niveau, la réflexion n’a pas tellement de sens. Le film se place comme premier jet dans la cinématographie d’un artiste, mais se prend comme œuvre à part entière dans la grande Histoire du Cinéma.
McQueen maîtrise tous les stades de la mise en scène, une gestion parfaite du rythme, un réel sens du son et du montage, une justesse dans la direction d’acteur… Hunger est complet et ne souffre d’aucun manque. Hunger questionne sur la justesse et la réelle utilité de la lutte, et sur la nécessite de sacrifice et de la mutilation corporelle qu’elle implique.
Je ne dirais donc jamais qu’Hunger est un biopic, car Hunger est bien plus que cela. Hunger, c’est du cinéma.